mcmarco

Vu à Paris ces derniers jours

2011-10-30T02:26:00.000-07:00

Paris Ménilmontant photo mcmarco oct 2011

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Fra Angelico au Musée Jacquemart-André

Dans de toutes petites salles surpeuplées de visiteurs, on se fabrique sa bulle de contemplation et l'on voit, interloqué, des images saisissantes — maîtrise formelle, symboliques religieuses, naissance de la Rennaissance — dont :

le tryptique du jugement dernier

Les stigmates de saint François et le martyre de saint Pierre Martyr - vers 1436-1437

Tempera sur bois, 24,3 x 43,8 cm - Strossmayer ova Galerija, ZAGREB

© Académie croate des sciences et des Arts.

Télécharger une frise .pdf de la chronologie "Les peintres et la Renaissance" par mcmarco

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La collection Stein au Grand Palais

Beaucoup de monde, mais dans de grandes salles et chaque tableau peut être regardé dans de bonnes conditions. On redécouvre l'émotion que suscite les tableaux "bleu" et "rose" de Picasso et la leçon de Matisse qui se dégage du pointillisme pour rentrer dans des territoires créatifs alors inconnus.

Pablo Picasso Garçon conduisant un cheval (1905-1906)

Pablo Picasso, Les pierreuses, 1902
Huile sur toile, 80 x 91,5 cm
Hiroshima, Hiroshima Museum of Art
© Succession Picasso 2011

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Walter Benjamin au musée d'art et d'histoire du judaïsme

Très belle présentation d'objets et de pages de notes de Walter Benjamin. Une grande émotion nous étreint.

Collectionneur passionné (de livres pour enfants notamment), Walter Benjamin a adapté l’objet et la méthode de la collecte au travail de la pensée. L’extraction, le découpage, la citation, le montage, l’association, la juxtaposition, ou encore la mise en regard furent autant de gestes qui lui permirent de déconstruire des logiques de représentation dominantes et de faire apparaître des configurations inédites à l’origine de lectures radicalement nouvelles de l’histoire, de la littérature, du rapport de l’art au politique.
En nous conviant à découvrir ses micrographies et ses propres inventaires, en nous ouvrant ses correspondances, fichiers ou carnets de notes, en montrant son travail de recherche bibliographique ou la constitution de ses collections, cette exposition révèle un mode de pensée et une vision du monde réfléchis dans chacun des actes de Walter Benjamin.

Marques-pages fabriqués par Walter Benjamin avec systèmes iconiques pour archivages.

image fixe du film d'une conférence de Hannah Arendt sur Walter Benjamin et les collectionneurs

C'est Philippe Apeloig qui a conçu et réalisé l'identité visuelle du musée. Voir article mcmarco

Des extraits de L’œuvre d’art à l’ère de la reproductibilité technique. Voir article mcmarco

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La collection Olbricht à la Maison Rouge

Les expositions présentées à la Maison Rouge sont toujours exceptionnelles. Elles nous invitent à des confrontations esthétiques inhabituelles et nous font réfélchir durablement à une "nouvelle histoire de l'art".

"Cette collection rejoint un courant anglo-saxon volontiers provocateur qui pose la question du dépassement de la ruptue provoquée par Marcel Duchamp et donc du devenir de l'art contemporain". Antoine de Galbert

Albrecht Dürer, Le Chevalier, le Diable et la Mort, gravure, 24,2 x 18,6 cm

Jake and Dinos Chapman, Sex I, 2003, bronze peint, 246 x 244 x 125 cm

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Trafik, what ? à la galerie Anatome

Sont présentés les travaux du studio graphique lyonnais. Le plus intéressant est sans doute de voir la cohérence des identités visuelles crées et la singularité de leurs déclinaisons sur les différents supports de communication. Malheureusement, on manque d'explications, l'expo n'est à mon sens pas assez didactique et les travaux restent hermétiques pour des personnes qui n'auraient pas déjà des clefs d'entrée pour les méthodes créatives en graphisme contemporain.
L'xposition oscille entre présentation de travaux graphiques comme "pièces d'art" et aperçu trop peu explicite de démarche de travail en design graphique.

http://www.lavitrinedetrafik.fr/

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Self structure au lieu du Design + photos expo

Petite expo épatante pour se rendre mieux compte de la relation nouveaux matériaux / création, nouvelles formes / qualité des matériaux.
Quelques notes issues de mon carnet :
Polystyrène expansé - recyclé ; design textile et mobilier - dur/mou et 2D/3D ; prototypage 3D ; tresse polystyrène + fil d'inox - isolant, alvéolé, translucide ; fils polymères souples ; charbon de bambou ; coulage de verre ; gonfler des matériaux (bambou, céramique, métal, cuir, liège).

Matériauthèque Materio + Livre materiology : 80 €

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Rafael Lozano-Hemmer à la Gaïté Lyrique

Je n'étais jamais allé dans ce nouveau lieu consacré aux technologies numériques. Il y a une bonne médiathèque au première étage où l'on peut consulter facilement de nombreux ouvrages.
Les travaux interactifs de Rafael Lozano-Hemmer peuvent captiver. La question de la "traque" est clairement posée.

photos mcmarco dans les installations de Rafael Lozano-Hemmer

Si rien avait une forme ce serait cela

2011-10-23T00:12:00.000-07:00

Extraits illustrés du livre d'Annie Le Brun
Si rien avait une forme ce serait cela
Gallimard 2010

Cités dans ces extraits :

Octavio Paz, Marcel Duchamp : l'apparence mise à nu..., Gallimard. 1997.

Ovide, les métamorphoses les belles lettre, 2009, p 121

Giordano Bruno les Fureurs héroïques

Roussel les lmpressions d'Afrique

Duchamp :

- La Mariée mise à nue par ses célibataires, même (1915-1923)

- Etant donnés : 1°) la chute d'eau, 2°) le gaz d'éclairage (1946·1966).

Pierre Klossowski
Aimé Césaire

p 183
Ce qui invite à reconsidérer la succession des innombrables scènes de chasse qui, depuis la préhistoire, ont ponctué l'histoire de la représentation. Une chasse n'en aurait-elle pas caché une autre, pour saisir un au-delà de l'image, telle la cible reculant à l'infini ?
On se souviendra ici du mythe de Diane et du chasseur Actéon qui, pour avoir osé regarder la déesse nue, fut transformé en cerf, aussitôt poursuivi par ses propres chiens. Bien sûr, Actéon est puni d'avoir regardé ce qu'il ne devait pas voir et la nature sexuelle de l'interdit ne fait aucun doute. Seulement, dès lors qu'il est vu, Actéon devient regardeur regardé en même temps que chasser-chassé et, qui plus est, chasseur que l'on chasse de l'autre côté de la frontière censée séparer l'humain de l'animal. Car, d'être ainsi pris par le regard des autres, Actéon non seulement perd sa propre maîtrise du champ visuel, mais se trouve aussitôt condamné à une sauvagerie qu'il incombe à la civilisation de contenir dans le cadre de ses représentations. (...)

Paolo Ucello Chasse nocturne

p 202
(...) Le résultat en est le spectacle jamais vu d'une sauvagerie que Roussel approche avec lmpressions d'Afrique, à mesure qu'il la met en scène en toute innocence, autrement dit en dehors de toute considération psychologique, sociale ou idéologique. « Quelque chose de complètement indépendant », dira Marcel Duchamp qui, en 1912, assista à la reprise théâtrale des Impressions d'Afrique, en compagnie d'Apollinaire et Picabia.
Ne s'y trompèrent ni les uns ni les autres, subjugués par l'époustouflant spectacle de music-hall du « gala des Incomparables », donnant à voir, pour la première fois, à travers autant d'exemples du destin des pulsions » à quel noir celles·ci doivent de s'affubler. Pour resplendir d'une sauvagerie qui ne participe en rien de l'exotisme mais dont la cruauté et la rigueur sont indissociables de la manière dont l'imagination se met en scène et ne met en scène qu'elle-même ». Toute la question étant alors celle de la représentation dont Roussel — sans le savoir et même si dans Comment j'ai écrit certains de mes livres sont évoquées dix années dramatiques de « tourments » et « crises de rage » - a depuis toujours fait une question de vie et de mort.

D'un dandysme l'autre, Duchamp s'en souviendra, dont le destin va se jouer entre l'illusoire transparence de La Mariée mise à nue par ses célibataires, même (1915-1923) et l'obscure dénudation de Etant donnés : 1°) la chute d'eau, 2°) le gaz d'éclairage (1946·1966). Au point que lui, j'y reviendrai, qui aura été considéré comme le grand maître du jeu, va suivre Raymond Roussel. Roussel l'« ingénu " qui, en se livrant au plus grand détour, aura approché sa plus intime altérité, pour faire voir, à la lumière sans ombre de son innocence, ce que la plupart des représentants de la modernité auront plus ou moins inconsciemment travaillé à éviter sinon à maquiller.

p 219
(...) Qu'à propos de Marcel Duchamp et de la question amoureuse, c'est-à-dire à propos d'une des réflexions contemporaines les plus profondes sur l'érotique, Octavio Paz ait cru bon de revenir à cet épisode mythologique, faisant apparaître quelle trajectoire insoupçonnée relie modernité et Antiquité dit l'importance de ce qui s'est joué et se joue encore dans cette forêt obscure. Comme si on n'en avait pas fini de remonter le cours des forces qui, dans la tradition occidentale, auront indissociablement lié le regard et le désir.
Aussi peut-on s'étonner, après Octavio Paz, que " personne jusqu'ici n'ait exploré les troublantes ressemblances » entre Diane au bain surprise par Actéon et les « deux grandes œuvres de Duchamp, La Mariée mise à nue par ses célibataires, même et Etant donnés : 1°) la chute d'eau, 2°) le gaz d'éclairage.
En effet, celles-ci seraient-elles de facture dissemblable, l'une et l'autre renvoient à cette scène mythologique, dans la mesure où, comme l'établit Octavio Paz, du chasseur chassé au regardeur regardé, en passant par la femme qui se dénude dans le regard qui la regarde, en fin de compte (le sujet est le même : la circularité du regard). Circularité du regard qui, jusqu'à aujourd'hui, déterminerait la structure interne de la représentation amoureuse.

Alors, qu'a-t-on voulu ne pas voir, en oubliant justement les innombrables " bains de Diane » qui jalonnent l'histoire de l'art occidental, qu'a-t-on voulu occulter en ne se rappelant pas les poèmes, rêveries, méditations que cette scène a inspirés, d'Ovide à Pétrarque, de Giordano Bruno à Pierre Klossowski ... ?
Paradoxalement, ce qu'au cours de son analyse comparée, Octavio Paz lui-même va perdre de vue, sans vraiment s'en rendre compte. Ce qu'il va lui-même faire disparaître jusqu'à l'effacement définitif, ce sont les chiens d'Actéon.

Nec nos videamus labra Dianae 1970 Pierre Klossowski

Le petit rose 1975 Pierre Klossowski

Oui, ces chiens qui importent tant dans la course éperdue du « grand chasseur », ces chiens que celui-ci n'a en réalité jamais véritablement maîtrisés et qui, une fois la nudité de Diane entrevue, lui échappent complètement. Ces chiens, dont l'animalité incontrôlée va se retourner contre la sienne, dès lors que Diane, lui lançant de l'eau pour l'aveugler, le change en cerf. Il se peut qu'Octavio Paz ait été entraîné par le propos de Duchamp qui, ici comme ailleurs, semble avoir délibérément négligé non seulement les chiens mais ce qui ressortit à l'animalité. Et cela, quand bien même aura-t-il été un des très rares d'entre ses contemporains à s'être référé, consciemment ou non, à cette scène de l'Antiquité, dont la dynamique est entièrement commandée par une animalité inédite, qu'il s'agisse de la course des chiens mais aussi de la métamorphose d'Actéon, telles deux occurrences animales se liant dans la même causalité obscure.
Aussi, pourquoi a-t-elle disparu de l'horizon de la modernité cette tumultueuse meute des trenle-trois chiens dont Ovide fait la liste détaillée ? Ces trente-trois chiens, impétueux, féroces, écumants, « avides de curée » qui, en un instant, ne reconnaissent plus ni n'entendent plus leur maître. Devant eux, il n'est plus qu'une proie à traquer, attaquer, déchirer, dépecer.
Voilà même que, « dressés autour de lui, museaux fouissant son corps » jusqu'à ce qu'ils n'aient « plus rien à mordre".

p 224
(...) D'où la mise en parallèle fort éclairante opérée par Octavio Paz entre la démarche de Marcel Duchamp quelle qu'en soit la dimension « méta-ironique », et la tradition courtoise, dans lesquelles l'imbrication de l'amour et de la connaissance est comparable. Surtout que les chiens en sont pareillement absents, absents des cours d'amour comme du Grand Verre de Duchamp, où aucun signe ne les rappelle.
Rien ne permet cependant de croire qu'ils ont disparu pour autant. Ce serait ne pas les connaître. Ils ne sont jamais loin. Tenus au-dehors, Ils sont toujours prêts à réapparaître. Comme pour chaque fois, montrer que la férocité du désir doit être vaincue. Et prouver, au besoin, que seule en serait garante cette circularité du regard qui aura longtemps tenu la représentation occidentale, au moins de trois manières.
Soit que les chiens aient nettoyé le paysage, et c'est la perspective classique telle que l'Antiquité l'a ouverte ; soit que le paysage se trouve nettoyé de tout chien, et c'est la perspective essentialiste voire esthétique ; Ou enfin soit que, faute d'avoir été requis à un tout autre emploi comme Giordano Bruno réussit à le faire dans les Fureurs héroïques, les chiens restent rôder dans les parages, et leur irruption aura été à l'origine de grandes crises de la représentation comme de l'esprit parmi lesquelles sont à compter aussi bien celle fomentée par les écrits d'Isidore Ducasse que celle déclenchée par la réflexion de Freud.

p232
(...) Et c'est sans doute d'abord contre la littérature toute entière et ces « larves absorbantes dans leurs engourdissements insupportables" que Ducasse aura fait revenir dès le premier des Chants de Maldoror les chiens, les chiens qui, « rendus furieux » à entendre les gémissements du vent, « brisent leurs chaînes, s'échappent des fermes lointaines ", pour courir « dans la campagne, en proie à la folie ». S'arrêtent-ils qu'aussitôt ils « se mettent à aboyer [ ... ] contre les étoiles au nord, contre les étoiles à l'est, contre les étoiles au sud, contre les étoiles à l'ouest ; contre la lune ; contre les montagnes, semblables au loin à des roches géantes, gisantes dans l'obscurité; contre l'air froid qu'ils aspirent à pleins poumons, qui rend l'intérieur de leur narine, rouge, brûlant".
Ironie terrible, il n'est plus rien contre quoi n'aboient, le silence, les serpents ... , et même « leurs propres aboiements, qui leur font peur à eux-même". Et ils continuent d'aboyer encore et encore, « contre le bruit sourd des vagues ; contre les grands poissons qui, nageant, montrent leur dos noir, puis s'enfoncent dans l'abîme » et enfin « contre l'homme qui les rend esclaves". Jusqu'à ce que Lautréamont en arrive à cette recommandation des plus utiles qu'« un jour, avec des yeux vitreux », sa mère lui aurait faite : « Lorsque tu seras dans ton lit, que tu entendras les aboiements des chiens dans la campagne, cache-toi dans ta couverture, ne tourne pas en dérision ce qu'ils font : ils ont soif insatiable de l'infini, comme toi, comme moi, comme le reste des humains à la figure pâle et longue. »
Cette « soif insatiable de l'infini », c'est elle qui nous entraîne au plus profond de l'obscurité là où Ducasse non seulement rêve « la transformation physique de l'homme" mais dénude « nos réactions fondamentales de dragon, d'aigle, de squale, de scorpion », comme l'a si bien vu Aimé Césaire, retrouvant au plus près du « merveilleux de la révolte » quel lien originel avec l'animalité rend la métamorphose « belle comme un décret d'expropriation ». Car il aura suffi que les chiens « se mettent de nouveau à courir la campagne, en sautant, de leurs pattes sanglantes, par-dessus les fossés, les chemins, les champs, les herbes et les pierres escarpées », pour ouvrir la voie aux bêtes qui n'ont jamais connu de maîtres, aux bêtes nées d'une inimaginable sauvagerie mentale, aux bêtes que rien ne peut empêcher de prendre des proportions monstrueuses.
Du bouledogue violeur de la « petite vagabonde » au poulpe « au regard de soie ». de la « femelle du requin aux dents si fortes" au crapaud « monarque des étangs et des marécages », du scarabée « pas de beaucoup plus grand qu'une vache » au crabe tourteau « monté sur un cheval fougueux », du pou tout-puissant « fils de la saleté » aux « oiseaux de proie » qui arrivent en " nuage perpétuel des quatre coins de l'horizon » ... , jamais encore la vie n'était revenue demander compte à l'esprit à travers cette animalité intraitable, dotée du pouvoir de s'en prendre à tout, de dévaster le monde extérieur comme de dépecer le monde intérieur.
Car cette « animalité conquérante et avide, toujours prête à étendre symboliquement sa griffe » - privilège gardé par ceux qui ne s'accommoderont jamais de « l'injure sans pardon faite à l'enfance » — est investie d'un pouvoir de transsubstantiation, autorisant toutes les possibilités d'irruption d'un règne à l'autre, d'un ordre à l'autre. C'est très exactement là que la métamorphose, à l'origine de la mise à mort d'Actéon, se retourne en principe de dévastation contre tout ce qui aura eu la naïveté de ne pas en voir la continuelle tentation attachée au cœur de l'homme.

chien n°1 Tina Mérandon 2010

chien n°2 Tina Mérandon 2010

chien n°3 Tina Mérandon 2010

chien n°4 Tina Mérandon 2010

chien n°5 Tina Mérandon 2010

chien n°6 Tina Mérandon 2010

p 248
C'est pourquoi j'en reviendrai, pour terminer et ne pas faire comme si j'avais oublié en chemin les chiens d'Actéon, au rapprochement auquel se livre Octavio Paz en rattachant à l'érotique courtoise, on s'en souvient, les Fureurs héroïques de Giordano Bruno. La Mariée mise à nue par ses célibataires, même de Duchamp mais aussi Étant donnés: 1°) la chute d'eau 2°) le gaz d'éclairage, parce que les unes et les autre participeraient d'un même système de figuration s'organisant autour de " la contemplation d'un corps et dans lequel, tour à tour, se révèle la nature et s'occulte l'autre réalité ».
Ce qui pourrait être une belle illustration de la survivance, chère à Warburg. Car, si transparent que soit Le Grand Verre, il n'en reproduit pas moins la division cérémonielle et spirituelle de l'espace courtois, où les amants - dont il ne reste chez Duchamp que les « livrées et les uniformes " — sont en bas, au service de la Dame en haut. Survivance que Octavio Paz prouve en se référant, entre autres, à l'admirable Triomphe de Vénus, peint sur un plateau d'accouchée du XVe siècle qui se trouve au musée du Louvre.
À ceci près que dans ses notes concernant la figure de La Mariée proprement dite et ses « formes principales... plus ou moins grandes ou petites », Duchamp signale que « la représentation matérielle ne sera qu'un exemple de chacune de ces formes principales libres. (Un exemple sans valeur représentative mais permettant le plus ou le moins). Autrement dit, donnant "toujours ou presque le pourquoi du choix entre 2 ou plusieurs solutions (par causalité ironique)», dans le but évident d'instaurer une dissociation entre la représentation et sa matérialité.
(...)
On pourra bien sûr objecter que je compare ici l'incomparable. D'autant qu'avec La Mariée Duchamp s'est proposé d'interroger la représentation de la représentation à travers une figuration mécanicienne qui réduit l'amour à n'être qu'une « machine à symboles et qui plus est à « symboles distendus et déformés par l'ironie ». Ce qui pourtant ne m'empêchera pas de passer outre, quand la question n'est plus aujourd'hui de chercher ce qui sépare lyrique et mécanique, comme on pounait le croire, mais, au contraire, de déterminer l'espace intermédiaire où l'un vient remettre en cause l'éventuelle prédominance de l'autre.
Ainsi, au moment où Warburg attend tout de l'ébranlement et des ondes mnémoniques, quitte à en perdre la raison, Duchamp, à l'inverse, s'applique à inventer le lieu ou plus exactement le point de vue qui permettrait autant d'y échapper que d'y résister.
D'où l'importance que, toujours dans ses notes Duchamp insiste sur la « sorte de sous-titre » qu'il avait donné au Grand verre, auquel il dit tenir énormément, Retard en verre : « Employer "retard" au lieu de tableau ou peinture ; tableau sur verre devient retard en verre — mais retard en verre ne veut pas dire tableau sur verre — « C'est simplement un moyen d'arriver à ne plus considérer que la chose en question est un tableau — en faire un retard dans tout le général possible, pas tant dans les différents sens dans lesquels retard peut être pris, mais plutôt dans leur réunion indécise. « retard» - un retard en verre, comme on dirait un poème en prose ou un crachoir en argent. »
Ce « retard ", susceptible d'évoquer tous les enchevêtrements de temps qui donnent consistance à la notion de survivance, on dirait que Duchamp l'utilise, au contraire, comme ultime frein contre la fatalité de la représentation que Warburg, lui, n'aura cessé de mettre en lumière, jouant sa raison à établir qu'il n'y a pas de représentation sans passage ailleurs, fut-ce au risque de s'y perdre.
Serait-ce pour ne pas l'admettre que l'idée de "retard" vient ici redoubler la transparence de ce qui n'est pas plus un tableau qu'une image, comme si, fasciné et terrifié par le passage de la Vierge à la Mariée, c'est-à-dire par l'irréversibilité, Duchamp employait toute son énergie à ne pas se résoudre d'en donner une représentation, si ce n'est à travers la dérision d'une machine ne renvoyant qu'à elle-même ?
"Retard en verre ", l'expression est juste comme un aveu, la transparence servant ici à assurer l'illusion d'une maîtrise qui ne peut être acquise qu'à travers une distance critique complètement désincarnée.

p 252
Du moins tant qu'on n'avait pas pris connaissance de l'assemblage posthume Étant donnés: 1°) la chute d'eau 2°) le gaz d'éclairage, auquel Duchamp allait travaillé de 1946 à 1966 et qui pourrait bien être le déni tragique de toute la construction du Grand Verre, plus exactement de la vision mécanicienne, fût-elle critique, qui enferme dans sa transparence les aller-retour du désir.
Reprenant, en effet, le même thème, pareillement structuré autour de l'objet du désir mais cette fois traité en trois dimensions, voilà que Duchamp nous confrontait à tout ce qu'il n'avait voulu ni montrer ni voir. Et si l'on y retrouvait jusqu'au vertige tous les éléments constitutifs du Grand Verre, il n'en était pas un qui ne vienne dénier dans sa matérialité même l'idée d'une représentation indifférente, pour, au contraire, affirmer sans doute la présence mais plus encore la forme à travers sa singularité et son secret.
Pourtant, on aura pu compter ceux qui, comme Robert Lebel, ami de Duchamp, acceptèrent ce versement de perspective et la violence dont il était porteur. Ainsi Octavio Paz se sera efforcé de ne reconnaître aucune rupture entre Le Grand verre et Étant donnés: 1°) la chute d'eau 2°) le gaz d'éclairage, jusqu'à inscrire dans le prolongement de la tradition courtoise l'énigme en trois dimensions que Duchamp laissait derrière lui.
À savoir, une porte vermoulue dans laquelle deux trous à hauteur des yeux permettent de regarder, grandeur nature, gainé de peau de porc, sexe béant, un corps de femme dénudée, renversée dans un paysage d'arrière-saison, réalisé comme un diorama aménagé en peep show.
De sorte que devait se faire voyeur qui voulait voir, de l'amateur d'art contraint de se décharger de son inutile culture au simple regardeur obligé de se départir de sa neutralité critique.
Et quand bien même la posture et le réalisme du moulage n'étaient-ils pas sans faire penser au scandaleux tableau de Courbet, nous étions aux antipodes de L'Origine du Monde, plutôt devant la fin d'un monde. Puisque là était donné à voir ce qui nous empêche de voir, aussi bien l'immatérialité mise à nu que l'illusion de toute mise à nu, dont le scabreux faisait ici fonction d'ultime écran pour retarder de voir le noir, que Duchamp aurait voulu ne pas voir. Et qu'il montrait néanmoins dans ce qui pouvait passer pour une sinistre parodie de tous les " Bains de Diane » mais renvoyait plutôt à une sorte de dévastation venue des profondeurs.

Là encore, Robert Lebel aura été sans doute le seul à oser le dire : « La vision que beaucoup pourraient croire "naturelle" acquiert un fumet d'équivoque clandestine et frappe de plein fouet le regard non prévenu qui vient s'y soumettre. » Mais plus encore quand il évoque 1'« insoutenable malaise » émanant de ce dernier assemblage jusqu'à avancer : « On se convainc aisément que l'auteur d'un tel ouvrage doit nécessairement disparaître car il en sait trop. »
Devant quoi, pour n'avoir pas compris ou pour ne pas avoir voulu comprendre ou même pour ne pas sembler ne pas avoir compris, les uns et les autres n'ont su dire que banalités culturelles qui toutes tournaient à la dénégation.
Dénégation de ce que Duchamp montrait là et qui était la dévastation à laquelle nous affrontait la fin du xxe siècle. Dévastation définitive du monde jusqu'alors réaffirmé dans chaque « Bain de Diane », où l'objet du désir vivait du regard qui le désirait. Ici, l'objet du désir n'ayant plus de regard, Duchamp nous faisait voir ce que le monde nous laissait voir de nous-mêmes, mis au pied du mur. Car derrière cette porte vermoulue, mais manifestement réparée à plusieurs reprises pour assurer sa fermeture, ne restait que l'inanimé du corps, l'inanité du décor et le tout comme plongé par effraction dans une criminalité diffuse.

« Machines célibataires» aidant, on ne s'est pas fait faute de rapprocher Duchamp et Jarry, leur sens de la dérision, leur goût des jeux de mots et leur humour manifestant électivement dans un comparable recoin à la machine pour substituer ressorts mécaniques aux ressorts humains. Curieusement, on n'a pas beaucoup insisté sur ce que Duchamp doit au Surmâle et, du coup, on n'a pas vu comment ce qu'il s'est abstenu de lui emprunter aura eu fonction d'arrêt ou tout au moins de suspens. Ainsi ne serait-ce pas d'avoir justement ignoré le noir d'une criminalité érotique qui apparaît soudain chez Jarry à la fois comme principe d'accélération et moteur obscur de la quête amoureuse, dès lors que le porteur de cette énergie redoutable gagne à la fois la course des dix mille milles et bat tous les records amoureux, que Duchamp aura paradoxalement été contraint de choisir son « retard en verre » ? Autrement dit, de s'en tenir à cette transparence fleuve qui, tout en laissant croire qu'elle donne sur le monde, ne libère nullement de la circularité du regard instaurée par la tradition courtoise, celle-ci fût-elle traitée de manière ironique.
Pourtant à considérer « l'approximation démontable " à laquelle Duchamp a finalement voulu nous affronter, à l'évidence, la transparence du « Retard en verre» n'aura nullement empêché le noir de revenir, plus dangereux que jamais, pour installer la criminalité du désir au cœur de cet assemblage posthume.
Et, encore une fois, je ne sais que Robert Lebel pour en avoir ressenti la dimension inquiétante sinon crapuleuse à la vue de ce « corps nu que Duchamp a couché de biais sur des fagots dans une posture de ménade, de sorcière ou de martyre, promise aux flammes du bûcher ». Il n'est pas jusqu'à l'aspect fragmentaire de son anatomie auquel, à part Robert Lebel, personne ne semble avoir prêté attention, alors que la tête disparaît sous la chevelure, les jambes sont sectionnées et que le tronc est prolongé du seul bras gauche.
Que s'était-il donc passé sinon le retour des chiens d'Actéon, soudain revenus pour mettre en pièces non seulement le regard du regardeur mais l'objet même du désir ? Avec pour conséquence tragique, le fait que la circularité de la représentation amoureuse n'en avait pas été brisée pour autant mais lestée de tout noir dont Le Grand Verre était censé faire l'économie.
Et une fois de plus, Duchamp aura visé juste en nous laissant devant cette catastrophe intérieure que bien peu dans le siècle auront su prévenir ne voulait pas d'abord voir.
D'où l'« insoutenable malaise» de Robert Lebel rapportant celui de William Copley. le donateur de ce « chef-d'oeuvre inconnu » au musée de Philadelphie qui n'aurait pas pu dissimuler sa « répugnance devant cette « Vanitas " ou « Charogne » gisant comme « exhumée du monde souterrain des Érinyes avec ce qu'une semblable évocation comporte d'implications sardoniques ».

Sans doute personne n'aura été plus près que Duchamp de se reconnaître dans la constatation que fait Jarry au début du Surmâle impliquant que le désir tourne en rond et que l'amour en est le masque scandaleux, Mais c'est Jarry qui, du plus profond de sa révolte, trouve la " solution imaginaire » et brise l'infernale répétitivité en misant sur l'amour comme improbable tangente du désir, c'est-à-dire en opposant à la mécanique amoureuse autant l'éblouissement lyrique que l'obscurité criminelle où celui·ci puise son énergie. Et l'extraordinaire avec Jarry. c'est qu'il ne propose une « solution imaginaire» que quand il en sait la résolution pratique.

Croquis dans Nantes

2011-10-15T11:02:00.000-07:00

Vendredi dernier, du temps, une flânerie studieuse dans Nantes en exécutant ces croquis.

Et qqs autres croquis de cet été pour la route :

Marseille 2011

Marseille 2002

Marseille 2011

Marseille 2002

Marseille 2011

Quimper 2011

Ecran(s), le livre.

2011-10-15T10:03:00.000-07:00

Ça avait plutôt commencé comme ça :

Et ça fini comme ça :

Le livre "Ecran(s) expériences & situations" est sorti vendredi dernier.
Le "vernissage " a eu lieu lors d'une soirée dans le lieu de résidence de la maison d'édition à la criée, à Nantes.

Je suis heureux d'en avoir réalisé la maquette, aidé, dans un premier temps par mes étudiant(e)s en Communication Visuelle. (voir le sujet de travail plus loin)

Open publication - Free publishing - More ecrans

On peut également se reporter au microblog tumblr sur lequel sera édité au fur et à mesure du temps qui passe, des prolongements au livre : http://ecran-s.tumblr.com

Le sujet de travail avec les étudiants :

Open publication - Free publishing - More typographie

Prépa Islande 2012

2011-09-03T01:11:00.000-07:00

MADE IN ICELAND from Klara Harden on Vimeo.

Volcans

Grimsvötn [Institute of earth sciences]
Eruption du Grimsvötn en mai 2011
Fimmvörðuháls [Wikipédia]
Terres de Glace et du Feu (randonnée études volcans 14 jours)

Cartes

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Infos précises :

j'ai réservé en ligne à Pall Gislason 2 nuits au refuge de Kerlingarfjoll pour début juillet au prix de 56 euros les 2 nuits. Pour info il m'a bien confirmé que les bus s'arrêtaient depuis cette année sur le parking près des refuges.
Iceland's bus companies provide a wide and inexpensive schedule of services. They have plenty of fuel, they know how to handle the difficult roads, and they know the country sufficiently well to provide passengers with a great deal of useful and interesting information.

The SBA-Nordurleid bus company has offices at 10 Skogarhild in Rykjavik and at 10 Hjalteyrargotu in Akureyri, both reachable at [telephone] 550-0770.

Be sure to ask about the bus company's Full Circle Passport and/ or its Omnibus Passport, both of which can save you time and money. Even more important, they allow you to accomplish more in the time you have to visit Iceland.

Landmannalaugar, Spengisandur & Myvatn

Following the ancient Sprengisandur road along the shore of Lake Thorisvatn, Iceland's largest lake, this bus route makes stops at Thjorsarver near the Hosfjokull glacier to see the world's largest breeding ground for pink-footed geese, then makes a half-hour stop in Nyldalur Valley, a lovely hiking region at the foot of Tungnafellsjokull glacier, where there are some mountain huts with sleeping bag accommodations. A brief stop also is made at the Aldeyarfoss waterfall.

The buses only run on a summer schedule beginning June 29 and ending on August 29.
* Arrival
** Departure

Departures

Sundays, Tuesdays & Thursdays
Landmannalaugar                                   8:30 am
Hrauneyjar                          * 9:40 am-** 10:00 am
Nyidalur                            * 12:45 pm-** 1:15 pm
Aldeyjarfoss                         * 3:50 pm-** 4:20 pm
Fossholl/Godafoss                    * 5:00 pm-** 5:45 pm
Skutustradir                                      6:15 pm
Myvatn                                            6:30 pm

Return Trips

Mondays, Wednesdays & Fridays
Myvatn                                            8:30 am
Skutustradie                                      8:45 am
Fossholl/Godafoss                   * 9:15 am-** 10:00 am
Aldeyjarfoss                       * 10:40 am-** 11:15 am
Nyidalur                             * 2:00 pm-** 2:30 pm
Hrauneyjar                           * 5:00 pm-** 5:30 pm
Landmannalaugar                                   6:15 pm

Un été en 2011

2011-08-06T00:46:00.000-07:00

Le plateau des Glières
Moulins
Les Contamines-Monjoie & Zinal
Quimper
Arles
Nice
Villa Noailles (Hyères)
Marseille

Quimper

2011-08-06T00:45:00.000-07:00

aube

Un petit rossignol gronde là sous nos pieds

Pas de chichon ici

Les temps sont durs, trop dures

...

St Corentin

Le théâtre municipal 1903

rochers

Visage de pierre sur le calvaire de Tronoën

visages aux mille inconnus bientôt terminés

2011-08-05T02:55:00.000-07:00

visages aux mille inconnus #1

117 x 83 cm acrylique sur carton

visages aux mille inconnus #2

150 x 100 cm fusain craie

visages aux mille inconnus #3

50 x 65 cm fusain crayons couleur

visages aux mille inconnus #4

45 x 50 cm fusain crayons couleur papier de soie

visages aux mille inconnus #5

40 x 50 cm fusain acrylique

visages aux mille inconnus #6

100 x 66 cm fusain

visages aux mille inconnus #7

178 x 94 cm fusain sanguine papier de soie

visages aux mille inconnus #8

75 x 100 cm fusain

Sujets et ressources enseignement ST2A

2011-07-30T11:42:00.000-07:00

Les différents liens qui suivent donnent accès direct au téléchargement de fichiers .pdf

"Sacré profane", une classe patrimoine avec des 2nd STI à l'Abbaye de Fontevraud

STI AA / 2nd 2005-06 - un dossier complet des conditions et techniques de prise de vue, du contexte général, des images de l'exposition et des différents lieux d'exposition : Dossier exposition photos Fontevraud
STI AA / 2nd 2005-06 - Un travail de conception in situ, puis de maquettes : Travail sur le chauffoir
STI AA / 2nd 2005-06 - Des références plutôt complètes sur la question du "Christ tétramorphe" : Fiche sur le tétramorphe
STI AA / 2nd 2005-06 - Quelques passages illustrés du livre de Ferrante Ferranti (Lire la photographie - éditions Bréal) : Fiche sur Ferrante Ferranti

"Une jardin en l'abbaye", un projet innovant sur trois années STI avec l'Abbaye de Fontevraud et de nombreux partenaires

Voir le blog complet sur http://www.unjardinenlabbaye.blogspot.com/

STI AA / 2nd 2007-08 - Fiche de présentation du projet, le contexte, le planning et les différents partenaires : Présentation du projet jardin
STI AA / 2nd 2007-08 - Un bilan de la première année de démarrage du projet, juste avant sa concrétisation : Bilan du projet jardin la première année
STI AA / 1ère 2008-09 - Les perspectives pour l'année de concrétisation du projet : Le point sur le projet jardin à la rentrée de 1ère STI
STI AA / 1ère 2008-09 - Un point d'étape du projet : Le point en avril
STI AA / 1ère 2008-09 - Une longue fiche de travail sur la question du remplissage du plan / comment remplir intégralement une surface donnée : Fiche remplissage du plan
STI AA / 1ère 2008-09 : Un sujet d'expression plastique au cœur du projet jardin, pour dynamiser des partenaires : Sujet d'expression plastique sur les ondes
STI AA / 1ère 2008-09 : Une fiche pour choisir le projet à retenir : Fiche de choix du projet
STI AA / 1ère 2008-09 : Un bilan élaboré après une réunion de travail efficace avec des membres de l'Institut Coopératif de l'Ecole Moderne (aussi appelée Pédagogie Freinet) - Paru dans une édition de la revue "Le Nouvel Educateur" en partenariat avec le Conseil Régional des Pays de la Loire : Bilan général du projet jardin (avec l'ICEM)

2nd STI AA

1ère STI AA

Histoire de l'architecture en images (Dictionnaire mondial des images/ Alain Gervereau)
Les peintres de la Renaissance : organigramme (©mcmarco)
Petite histoire de la Renaissance (©mcmarco)
Une évolution de l'histoire la représentation : schéma (David Hockney)

Term STI AA

L'évaluation

01 - VACARME & évaluation.pdf
Ce texte issu de la revue « VACARME », introduit ce dossier en ce qu’il pose la question de l’actualité des procédés d’évaluation à l’heure ou « ce qui se dérobe à l’évaluation serait suspect de collusion avec la médiocrité et l’obscurantisme ». Ce texte se finit sur ces mots : « Aller au bout du processus de démocratisation de l’école, c’est peut-être permettre à des sujets de se poser comme tels, et de s’auto-évaluer. La subversion radicale des formes actuelles d’évaluation, c’est peut-être cela : accepter que chacun soit devenu un sujet, source d’évaluations nouvelles et multiples, et non objet à évaluer. Reconnaissons-le, ce serait là une étrange conclusion : contre l’évaluation généralisée soutenir une généralisation de l’évaluation. Cela sonne certes comme un slogan rhétorique. Mais que faire si jamais, en pratique, il ne s’avérait pas idiot ? »

02 - notes sur les notes 2009.pdf
Ce texte de février 2005 faisait la synthèse de mes réflexions sur les activités d’évaluation et sur le fait de ne pas noter les travaux des élèves et étudiant(e)s.

03 - fiche évaluation 1AA A3.pdf
Cette fiche était une proposition de base de travail pour élaborer des outils d’évaluation sous forme de livret de compétences, en reprenant les attendus du référentiel de S.T.I. Arts Appliqués.

04 - Le Schmilblick n°6.pdf
Ce texte de juin 2006 voulait alerter l’équipe d’Arts Appliqués sur la nécessité de continuer le travail entrepris depuis quelques années, sous peine d’essoufflement, voire de régression.

05 - Le Schmilblick n°7.pdf
Ce texte de septembre 2007 tentait de faire le lien entre « complexité » et « imaginaire ».

06 - Le Schmilblick n°10.pdf
Ce texte de juin 2007 forçait le trait sur ce qui se faisait en AA en matière d’évaluation et reprenait l’avis de l’équipe sur le CCF à venir dans la réforme des STI.

07 - docimologie_critique.pdf
Cet extrait d’un texte qui montre que la docimologie critique a permis d'attirer l'attention des correcteurs et des enseignants sur la nécessité d'un soin particulier quand aux différents parasitages possibles de la notation.

08 - La docimologie et après.pdf
Ce texte de Bernard-André Gaillo évoque l’évaluation des acquis en arts plastiques et notamment la place du portfolio comme outil commun entre enseignants et élèves.

09 - rapport livrets de compétences.pdf
Pour les accros aux textes officiels, le rapport n° 048 de juin 2007 de l’inspection générale sur les livrets de compétences

Les contamines Montjoie & Zinal

2011-07-17T05:37:00.000-07:00

Les Contamines Montjoie & Zinal

Cabane du Grand Montet from Marc VAYER on Vimeo.

Les photos de paysages des Contamines Montjoie ici

Les photos de paysages de Zinal ici

L'écorce du mélèze

L'œil signal

La tente

La protection du lièvre

Le chalet

Les repères

Le cygne

L'anneau de Moëbius

Le marcheur

Le numéro 25

Le parking

Le veau

Les chardons

Les herbes

Les planches #1

Les planches #2

Le sexe de la fontaine

La pollution

Nice

2011-07-17T05:34:00.001-07:00

Nice

Côte d'Azur, un territoire pour l'expérimentation30 juin 2011 - Numéro 361

A Nice et dans tout le département des Alpes-Maritimes, l'ambition est de stimuler un regard différent sur l'art contemporain, de tracer des perspectives, de susciter des interrogations, d'inciter à des comparaisons. Dans ce haut lieu du tourisme et de la langueur balnéaire qu'est la Côte d'Azur, les acteurs de la manifestation veulent offrir aux regards des occasions de sortir de leur torpeur estivale ou médiatique, et de s'inscrire dans des dynamiques de pensée. A l'œil impavide qui consomme, il s'agit de substituer un regard qui pense.
A Nice et dans tout le département des Alpes-Maritimes, une cinquantaine de musées nationaux, centres d'art et galeries se sont regroupés pour concevoir, et présenter durant tout l'été, une manifestation ambitieuse d'art contemporain: «L'art contemporain et la Côte d'Azur. Un territoire pour l'expérimentation, 1951-2011».

L'austérité voulue de ce titre exprime une différence. En ces temps de pensée molle, où prolifèrent les problématiques poussives, où le marché tient souvent lieu de pensée, de critère et de discours sur l'art, il est ici nettement affirmé que l'art contemporain sera présenté dans un contexte territorial (la Côte d'Azur), dans une séquence temporelle (1951-2011) et à l'aune d'une posture spécifique (l'expérimentation).

L'ambition est en quelque sorte de stimuler un regard différent sur l'art contemporain, de tracer des perspectives, de susciter des interrogations, d'inciter à des comparaisons. Dans ce haut lieu du tourisme et de la langueur balnéaire qu'est la Côte d'Azur, les acteurs de la manifestation veulent, avec Maurice Fréchuret, directeur des musées nationaux du département, offrir aux regards des occasions de sortir de leur torpeur estivale ou médiatique, et de s'inscrire dans des dynamiques de pensée. A l'œil impavide qui consomme, il s'agit de substituer un regard qui pense.

Ce regard actif — émancipé — est requis pour saisir la force créatrice qui a, pendant plus d'un demi-siècle (de 1951 à 2011), transformé la Côte d'Azur en l'un des plus féconds ateliers d'expérimentation et de questionnement des modalités de l'acte de peindre. Peut-être plus que nulle part ailleurs, la peinture, le tableau et le geste de peindre ont fait, par la pratique artistique elle-même, l'objet d'une interrogation radicale. Peindre a consisté alors à peindre la peinture; à penser en acte la peinture, ses matériaux et ses gestes; et à la dissocier du tableau.

L'expérimentation picturale a été sur la Côte d'Azur plus radicale qu'aux États-Unis. Plus iconoclaste, plus profondément engagée dans la déconstruction de la peinture, dans la recherche de ses structures essentielles. Les grands peintres modernistes américains, et Jackson Pollock lui-même, sont en effet restés largement fidèles au tableau et à sa planéité auxquels le critique Clement Greenberg a dogmatiquement arrimé la peinture. Sur la Côte d'Azur au contraire, les peintres ont interrogé le tableau et l'ensemble des gestes et dispositifs de la peinture en les poussant (ironiquement) un à un jusqu'à leur limite.

Peindre consiste-t-il à recouvrir de matière une surface? Alors pourquoi ne pas utiliser pour cela, au lieu d'un traditionnel pinceau, un rouleau (Yves Klein), une raclette (Robert Malaval), ou un pistolet-compresseur (Bernar Venet)?
Et pourquoi s'en tenir au recouvrement et ne pas, comme Noël Dolla et beaucoup d'autres, procéder par teinture en trempant la toile directement dans la couleur qui produira par capillarité des traces et des macules sur le tissu, hors de tout contrôle de l'artiste, et sans l'action de sa main? Passer ainsi du geste de peindre à celui de teindre revenant à passer du tableau à la toile libre, à évacuer des œuvres les notions de maîtrise, de volonté et de subjectivité.

Tous ces gestes ont ouvert au sein du processus pictural des brèches indissociablement techniques, matérielles et esthétiques. Des brèches symboliques également, en ce que la mise à mal du tableau a totalement ébranlé le dispositif séculaire de la représentation.
Beaucoup d'autres gestes seront ainsi expérimentés, repris, transmis et déclinés au cours du dernier demi-siècle: l'empreinte de corps (Yves Klein) ou d'objets (Claude Viallat), le feu (Yves Klein, Alberto Burri), le tressage (André Valensi), l'assemblage (Marcel Alocco), les coulures (Cédric Teisseire), etc.
Tous ces gestes et ces œuvres, qui fonctionnent vis-à-vis du tableau comme autant de mises à l'épreuve ou d'«objets d'analyse» (selon un titre d'André Valensi), sont portés par l'idéal d'une pure peinture affranchie des limites matérielles et symboliques du tableau.

Au cours des prochains mois, on pourra donc arpenter la Côte d'Azur comme un «territoire pour l'expérimentation» en art et en découvrir, de lieu en lieu, toutes les facettes. Or, cette «territorialisation» liée à la forme même de la manifestation, qui spatialise les œuvres et les faits, et qui subordonne ainsi l'histoire à l'espace, s'accorde avec le choix opéré de préférer à la notion plus ou moins académique et sociologique de «mouvements» ou de «groupes» (Supports/Surfaces, Nouveau Réalisme, Fluxus, etc.), la notion de «geste» qui, elle, vient heureusement déplacer ...les regards du côté plus objectif des faire artistiques et de leurs résonances.

On peut ainsi repérer des continuités et des variations de gestes au cours du temps et des contextes, et mesurer comment ils se transmettent et se transforment. Si la nouvelle génération d'artistes est animée de la même volonté de «peindre autrement» que la précédente, c'est d'un nouvel ordre de différence qui est aujourd'hui mis en œuvre. Alors qu'il s'agissait dans les années 1970 d'inventer des gestes capables de déconstruire la forme symbolique du tableau, ces gestes désormais acquis et admis participent à la construction de nouveaux réseaux de sens, plus politiques que strictement artistiques.
C'est par exemple le cas de Sandra Lecoq, qui reprend le geste de tresser et coudre des tissus multicolores en une pièce posée au sol, mais qui donne à cette pièce la forme d'un pénis et un titre non moins explicite. Aussi procède-t-elle à une critique de la situation sociale des femmes plus qu'à une déconstruction de la forme tableau (Penis Carpet, 4 Yellow, 2001-2002).

L'effervescence créatrice en Côte d'Azur s'est assurément située dans un vaste mouvement national et international de déconstruction des formes et structures sociales, économiques et culturelles. Les merveilleux «bricolages» par lesquels les artistes ont expérimenté et pratiqué «la sculpture autrement», inventé une autre sculpture dans la sculpture, sont évidemment inséparables de l'essor vertigineux de la société de consommation avec ses objets et matériaux nouveaux.
A la Villa Arson, l'exposition «Le temps de l'action» paradoxalement consacrée à l'éphémère et à la performance dans l'art, ainsi que la non moins paradoxale exposition «Le temps de l'écoute» sur les pratiques sonores et musicales, témoignent elles aussi d'un climat propice à toutes les expériences, à toutes les audaces, à toutes les mixages…
Tandis que «La couleur en avant» retrace au Mamac de Nice la conquête par la couleur de sa liberté et de son autonomie sur la forme.

Loin de toute nostalgie, on suit, d'une exposition à l'autre, l'aventure esthétique et symbolique d'un art vivifié par les forces intempestives de l'expérimentation. Un exemple pour l'avenir.

André Rouillé .

Le tryptique de Moulins

2011-07-17T05:32:00.001-07:00

Moulins

Le miracle de Moulins

Olivier Cena
Telerama n° 3193 - 26 mars 2011

La basilique Notre-Dame-de-l'Annonciation de Moulins, de style gothique flamboyant, est une curiosité architecturale. Achevée en 1540, devenue cathédrale en 1823, elle souffre d'un agrandissement néogothique dû à l'architecte Jean-Baptiste-Antoine Lassus, dont Viollet-le-Duc fut le disciple. L'ensemble, disparate, est assez laid. En ce début d'après-midi ensoleillé, sa vaste nef est vide. Les magnifiques vitraux de la partie ancienne y diffusent dans la pénombre une lumière merveilleuse. Seul M. Perrier - « comme l'eau », précise-t-il - déambule dans un bas-côté. Il est le bedeau de la cathédrale. Il en est aussi le sacristain et le suisse. Cette dernière fonction lui donne un costume, une hallebarde et le droit - « comme l'évêque », dit-il - de conserver son chapeau dans un lieu consacré.

Et puis M. Perrier possède les clés de la sacristie. Il en ouvre la porte à la demande et vous y enferme aussitôt, à double tour, dans le clair-obscur. Alors M. Perrier parle. Il récite. Il a rejoint ce que l'on devine être sa place, derrière un cordon, dans la lumière, aux côtés du trésor de la cathédrale, le retable de la Vierge en gloire, dont on ne voit que les volets fermés décorés d'une splendide peinture en grisaille représentant l'Annonciation. Il raconte l'histoire de cette oeuvre peinte à la fin du XVe siècle par un artiste inconnu, surnommé le Maître de Moulins, oubliée et redécouverte quatre siècles plus tard par Prosper Mérimée. Et, bien que les historiens, après avoir longtemps hésité sur l'identité du peintre - Jean Prévost ou Jean Hey (ou Hay) -, viennent, à l'occasion de la récente exposition « France 1500 » au Grand Palais, à Paris, de s'accorder sur le nom du second, Jean Hey, M. Perrier préfère garder l'incertitude et le surnom : Maître de Moulins.

Proche de la cathédrale, le musée Annede-Beaujeu mêle ses collections à quelques-uns des achats du Frac Auvergne. La rencontre a lieu à l'étage, évitant ainsi le rez-de-chaussée, où sont conservées de belles sculptures romanes et gothiques. On ne note aucun affrontement, tant les oeuvres contemporaines s'associent à l'académisme du XIXe siècle, omniprésent dans le musée. La consolation vient de deux petits Corot et d'une série de petits paysages de son ami Henri Harpignies - aussi, un peu, de l'immense portrait rouge du Père de l'artiste (1996), de Yan Pei-Ming. Ce n'est pas rien.

Ils n'effacent pourtant pas dans la mémoire l'extraordinaire jaune de la coiffe de sainte Anne sur le panneau droit du retable. Car M. Perrier, avec un art consommé du suspense, a fini par ouvrir les volets. Et la première vue est un choc. La plupart du temps fermé depuis cinq siècles, le retable a conservé ses couleurs d'origine. Elles sont admirables. L'ensemble est admirable : la composition, les drapés, la magnificence des tissus, des bijoux et des tapis. Jean Hey a donné au visage de la Vierge, à ceux des douze anges qui l'entourent et des deux archanges qui la couronnent, une douceur enchanteresse. M. Perrier insiste sur la délicatesse et l'élégance avec lesquelles il a peint les mains, et il a raison. Il dit aussi qu'avant de servir la messe l'évêque de Moulins vient se recueillir devant l'oeuvre. Il montre l'endroit. Après chaque office, les fidèles accompagnent le curé ou l'évêque devant le retable, que M. Perrier leur a ouvert, et récitent une prière. C'est une tradition. L'oeuvre suscite toujours une grande ferveur. Ce n'est donc pas, comme l'affirme le musée dans le titre de son exposition, une simple question de temps.

(Jean Hey, Triptyque de la Vierge en gloire, adorée par Pierre de Bourbon et Anne de France, Moulins, cathédrale Notre-Dame)

Le triptyque est une commande du duc Pierre II et de son épouse Anne de France pour la collégiale, ou selon d'autres historiens de l'art, pour la chapelle privée des ducs. Le panneau central représente la Vierge de l’Immaculée Conception tandis que, sur les deux panneaux latéraux figurent les donateurs, représentés agenouillés et accompagnés de leur saint patron respectif, ainsi que de leur fille Suzanne de Bourbon : Pierre II, duc de Bourbon présenté par saint Pierre et Anne de France et sa fille Suzanne présentées par sainte Anne. Sur sa face externe, le triptyque est orné d’une Annonciation traitée en grisaille.
Le panneau central montre la Vierge Marie en gloire, assise sur un trône et tenant sur ses genoux l’Enfant-Jésus. Elle est entourée de quatorze anges répartis de part et d’autre.
Deux d’entre eux soutiennent une couronne au-dessus de la tête de Marie, six la regardent avec dévotion, et deux autres, au bas du tableau, tiennent un phylactère : le premier l’indique du doigt tandis que l’autre désigne la Vierge comme pour signifier que le texte se rapporte à elle. L’inscription latine évoque le rôle majeur de la Vierge dans la foi chatholique : « Hæc est illa de qua sacra canunt eulogia, sole amicta, Lunam habens sub pedis, Stellis meruit coronare duodecim »⁷.
Au cœur des cercles concentriques qui apparaissent derrière Marie, se trouve un soleil qui met en lumière le caractère exceptionnel de sa personnalité et la dimension divine de son destin. Figurée flottant dans les airs, elle repose ses pieds sur un croissant de lune. La somptueuse couronne que les deux anges s’apprêtent à déposer sur sa tête se termine par douze étoiles (seuls sept sont visibles sur le tableau, mais on peut distinguer la base de cinq fleurons masqués par la perspective).
La Vierge n’est pas drapée du bleu traditionnel de l'iconographie mariale mais d’un lourd manteau rouge rappelant la Passion du Christ, comme dans les Vierges d’Hans Memling et de Jan Van Eyck, signe de l’influence de l’art des primitifs flamands dans l’œuvre du Maître de Moulins. Elle se tient humblement tête baissée dans une attitude de profond recueillement alors que l’Enfant Jésus dirige ses regards vers le monde, bénissant de la main, ce qui suggère qu’il a déjà connaissance de sa mission spirituelle.
Sur les panneaux latéraux, les donateurs sont représentés avec leur saint patron respectif et leur unique héritière Suzanne, au visage est particulièrement disgracieux. La famille ducale montre un recueillement auquel s'oppose l’attitude de saint Pierre et sainte Anne, laissant supposer qu’ils viennent d’intercéder en leur faveur auprès de Marie.

Le plateau des Glières

2011-07-17T05:28:00.000-07:00

Le plateau des Glières

Un petit salut à Luc, cité plus loin dans l'article de télérama

Plateau des Glières from Marc VAYER on Vimeo.

La résistance citoyenne mobilise aux Glières

Le 17 mai 2011 à 12h30

LE MONDE BOUGE - Stéphane Hessel mais aussi des caissières en grève ou l’avocate tunisienne Radhia Nasraoui : grands Résistants d’hier et citoyens militants d’aujourd’hui, ils étaient plusieurs milliers réunis samedi 14 et dimanche 15 mai sur le plateau des Glières, en Haute-Savoie. Comme chaque année depuis 2007, ils ont défendu les principes fondateurs du Conseil national de la Résistance.

Evidemment, il y avait la possibilité de rebrousser chemin, de ne pas monter, dimanche, dans la fraîcheur et les flocons de neige, à 1400 mètres d’altitude sur le majestueux plateau des Glières, en Haute-Savoie, pour écouter des paroles de Résistants d’hier et de militants d’aujourd’hui. De quel poids médiatique pouvaient bien peser les caissières d’Ed d’Albertville, en grève contre le travail le dimanche, ou même les souvenirs émus de Pierre Pranchère, résistant communiste à quinze ans dans le maquis corrézien, face à la déferlante DSK qui arrivait comme une onde de choc de New York ? Dès l’aube, France 2 avait déjà choisi : elle rapatriait son équipe des Glières vers Lyon « au cas où » le maire strauss-kahnien Gérard Collomb ferait une déclaration à mettre en boite pour le « 20 heures »… Ce qu’il ne fit pas. Résultat, pas de plateau des Glières, hier, pour le « 20 heures ».
Comme chaque année depuis 2007, une petite association savoyarde, aussi têtue en cette Savoie UMP qu’un village d’Asterix, résiste pourtant, avec ses maigres moyens et l’énergie de ses cinquante bénévoles, à la « récupération » par Nicolas Sarkozy du plateau des Glières, symbole de la résistance des maquisards en 1944. Le président de la République en a fait son lieu de pèlerinage annuel. Chaque printemps, avant ou après sa visite, l’association Citoyens Résistants d'hier et d'aujourd'hui convie donc de grands Résistants d’hier et des citoyens militants d’aujourd’hui à se retrouver autour des Jours heureux, titre romantique du prophétique programme du Conseil national de la Résistance (CNR) de mars 1944. Un programme très à gauche, adoubé par la droite républicaine et gaulliste comme par les communistes, qui dessinait les contours de la France d’après-guerre. Celle de la sécurité sociale, des nationalisations et des grands services publics.
Samedi 14 mai, à l’occasion de ce rassemblement des Glières, Stéphane Hessel (l’auteur d’Indignez-vous !), Raymond Aubrac, Daniel Cordier (l’ancien secrétaire de Jean Moulin), le syndicaliste Georges Séguy et encore une douzaine d’anciens grands Résistants et Résistantes ont publié un appel tourné résolument vers l’avenir : à l’orée des élections présidentielles et législatives de 2012, ces grands anciens demandent aux candidats de ne pas oublier les acquis du programme du CNR, « qui constitue toujours un repère essentiel de l'identité républicaine française ». Le texte exhorte notamment les candidats à « reconstituer les services publics et institutions créés à la Libération pour aller vers une véritable démocratie économique et sociale », à « renforcer la démocratie parlementaire au détriment de notre régime présidentiel personnalisé » et à « assurer à nouveau la séparation des médias et des puissances d’argent ».
Dans l’assistance, un Nantais de 51 ans, Luc Douillard, mesurait le chemin parcouru. L’histoire est peu connue mais c’est ce prof d’histoire dans un lycée professionnel et ses quelques copains libertaires de l’association « Nantes est une fête » qui ont remis dans le débat public, en 2004, le programme du CNR. Avec le concours de l’association altermondialiste Attac, ils ont organisé un colloque pour le 60e anniversaire du programme (...)

Luc Douillard, l’auteur de cet appel boudé en 2004 par Le Monde comme par Libération, savoure sa revanche, sans se départir de son humour critique : « C’est pas si bien écrit, ce sont des phrases un peu longues… » Trois ans après ce premier appel, l’association Citoyens Résistants d’hier et d’aujourd’hui a donc pris le relais avec l’idée du rassemblement au plateau des Glières. Puis est né un film, Walter, retour en résistance, un portrait du résistant Walter Bassan réalisé par Gilles Péret, tous deux animateurs du rassemblement des Glières. Puis encore un livre, tiré à plus de 17 000 exemplaires, Les Jours heureux (1). Le succès phénoménal d’Indignez-vous ! (2,2 millions d’exemplaires) a pris sa source lui aussi en Haute-Savoie puisque les éditeurs d’Indigène, Sylvie Crossman et Jean-Pierre Barou, ont eu l’idée de ce livre après avoir eu vent de l’intervention de Stéphane Hessel, en 2009, sur le plateau des Glières.
« Les idées sont faites pour être reprises », se réjouit sincèrement Luc Douillard, qui a largement contribué à lancer le mouvement, même si son association nantaise, méconnue, est un peu « le passager clandestin » de cette aventure qui a remis sur le devant de la scène les principes fondateurs de la France de l’après-guerre.
Construire un « nouveau programme de la Résistance pour notre siècle », comme essaient de s’y atteler depuis quelques mois les Citoyens Résistants d’hier et d’aujourd’hui est en revanche une autre histoire. La question de l’Europe et bien d’autres lignes de fracture divisent cette mouvance militante des Glières, qui va du centre gauche à la gauche radicale. En conférence de presse, les grandes figures de la Résistance se sont d’ailleurs un peu écharpé, samedi 14 mai, sur l’Europe, l’euro et la nécessité – ou non – d’en sortir.
Mais dimanche 15 mai, les flocons de neige n’ont pas fait fondre l’enthousiasme. Les papys de la résistance et leur inaltérable soif d’idéal ont une fois encore remonté le moral des jeunes générations. « On me dit souvent, de votre temps, c’était simple, on savait contre qui résister. Mais aujourd’hui ? » rapporte Stéphane Hessel, par ailleurs titillé par le public pour son engagement en faveur de Nicolas Hulot. « Résister contre quoi ? C’est moins compliqué qu’on ne le croit. Le programme de 1944 se battait avec clarté contre les féodalités économiques, pour la liberté de la presse, etc. Ces valeurs du CNR ne sont toujours pas respectées aujourd’hui. Ajoutez à cela la dégradation de la planète et les injustices dont sont responsables les grandes puissances économiques, qui ne recherchent que le profit, et vous retombez aujourd’hui sur les mêmes valeurs fondamentales que celles pour lesquelles nous nous sommes battus. »

Thierry Leclère

(1) Les Jours heureux (le programme du Conseil National de la Résistance de mars 1944 : comment il a été écrit et mis en œuvre, et comment Sarkozy accélère sa démolition), un livre de l’association Citoyens Résistants d’hier et d’aujourd’hui, éd. La Découverte, qui vient de sortir en poche.

BLAST

2011-06-26T09:30:00.000-07:00

Après fukushima, un haut-le-cœur, un écœurement.
J'ai réalisé ce travail pendant les mois de mai et juin 2011.

BLAST. 2011. série de 29 assemblages photographiques + textes.

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écran(s) - version 3

2011-06-26T09:29:00.001-07:00

Open publication - Free publishing - More ecrans

Début d'une série : visages aux mille inconnus

2011-05-23T01:19:00.000-07:00

Un platane de mes amis

2011-05-23T01:05:00.000-07:00

écran total 2

2011-04-03T08:43:00.001-07:00

Open publication - Free publishing - More ecran

Ecran total 1

2011-03-23T07:20:00.000-07:00

L'orchestre du rêve [1]

2011-03-12T09:13:00.000-08:00

Une mis en forme resserrée. Vers une édition ?

Open publication - Free publishing - More jeunesse

Pochette CD Nyama

2011-03-12T08:53:00.000-08:00

Le chêne noir le l'Abbaye de la Blanche à Noirmoutier

2011-03-09T09:17:00.001-08:00

Autoportrait dans le train

2011-01-09T02:21:00.001-08:00

Préparation d'une lithographie 4 couleurs

2010-10-27T09:01:00.000-07:00

Cette lithographie 4 couleurs s'intitulera "Olivier mégalo" et sera édité en 15 exemplaires dans un format 23 x 34 cm.

Quelques mise au point ci-dessous. On verra plus tard ce que ça donnera sur la pierre.

Le dernier Neil Young

2010-10-02T09:45:00.001-07:00

Réalisations de vidéogrammes

2010-08-24T03:41:00.001-07:00

En avril et mai, J'ai réalisé 3 vidéogrammes avec des étudiants BTS audiovisuels et communication visuelle du lycée Léonard de Vinci, regroupés sous le titre "Liberté d'impression".

lithographie from Marc VAYER on Vimeo.

La gravure from Marc VAYER on Vimeo.

La composition typographique from Marc VAYER on Vimeo.

Ces 3 vidéogrammes ont été conçus et réalisés par les étudiant(e)s du BTS communication visuelle et les étudiant(e)s du BTS Audiovisuel du lycée Léonard de Vinci de Montaigu, dans le cadre d'une convention avec le Musée de l'imprimerie.
Diffusables sur supports DVD ou par l'internet, ces vidéogrammes de 3 mn chacun sont destinés à un public dans un premier temps ignorant des pratiques de l'impression, enfants ou adultes.
Ces vidéogrammes sont destinés à être utilisés dans le cadre des activités du musée de l'imprimerie, au sein de l'exposition permanente du musée ou lors d'opérations temporaires.
Ces trois vidéogrammes sont destinés à être le support d'une réflexion au sein de l'association sur des moyens nouveaux à mettre en œuvre pour valoriser le musée et le travail des personnels permanents.

Liberté d’impressions

Production : Musée de l’Imprimerie de Nantes
Production Exécutive : Léonard de Vinci Production
Réalisation : Marc VAYER
Voix-Off : Frédéric BARBE
Musique Originale et interprétation : Justin BIHAN

Chargée de production : Elsa JEGOU
Chef Opérateur / cadreur : Laura ERAUD
Ingénieur du son / mixage : Fanny JEANDIN
Responsable technique : Anthony ARNAUD
Monteur : Antoine BERNARDEAU
Responsable Pédagogique : Eva OSMANI-CRUANES

Remerciements gravure & héliogravure
Imprimerie Sim’Edit
Musée de l’imprimerie de Nantes (Pascal FONDIN)
Lycée Léonard de Vinci (Gilles HERBRETEAU & étudiants BTS Communication Visuelle print)
Association Hot déf ’

Remerciements lithographie et offset
Imprimerie La Contemporaine (Bruno GRELIER)
Musée de l’Imprimerie de Nantes (Pascal FONDIN & Philippe BRETAUDEAU)
Lycée Léonard de Vinci (Paul DABOUT - Gilles HERBRETEAU - étudiants BTS Communication Visuelle print)
Association Hot déf ’

Remerciements typographie et composition électronique
Musée de l’Imprimerie de Nantes (Solène BEILVERT & Pascal FONDIN)
Lycée Léonard de Vinci (Christelle DUHIL - & étudiants BTS Communication Visuelle print)
Association Hot déf ’

Remerciements plateau
Présentateur : Jérôme BARON /
Intervenants : Yves GUILLOUX (enseignant Design Graphique) & Pierre RUIZ (formateur ADOBE) /
Chargée de production : Elsa JEGOU / Chef plateau : Baptiste RINALDI / Chef opérateur : Laura ERAUD /
Assistants Lumière : Antoine GAUDE, Alexandre PLANCHOT, Raphaël AUGER /
Cadreurs : Laura ERAUD, Savannah DELCAP-RISSE, Alexandre PLANCHOT, Antoine GAUDE /
Ingénieur du son / Mixage : Fanny JEANDIN / Assistant son : Jord ROBERT /
Assistant réalisation : Antoine BERNARDEAU /
Responsable technique : Anthony ARNAUD / Scripte / Régisseuse : Elsa JEGOU /
Opérateur Magnéto : Clément CAUDAL / Opérateur Titreur : Paul LEPARC /
Responsable Pédagogique : Eva OSMANI-CRUANES

Moyens techniques : Lycée Léonard de Vinci – Montaigu (85)
Dépôt légal avril 2010 © 2010 – Musée de l’imprimerie de Nantes

Le chant des pistes

2010-08-19T06:24:00.000-07:00

Le chant des pistes, c'est le nom d'un projet mené par Laurent Bel à Nantes qui regroupe musiciens, conteurs, illustrateurs autour d'une relation entre le France et le Togo.

Voici le film de ma contribution graphique :

mcmarco

Vu à Paris ces derniers jours

Si rien avait une forme ce serait cela

Croquis dans Nantes

Ecran(s), le livre.

Prépa Islande 2012

Eruption du Grimsvötn en mai 2011

Un été en 2011

Quimper

visages aux mille inconnus bientôt terminés

Sujets et ressources enseignement ST2A

Les contamines Montjoie & Zinal

Nice

Le tryptique de Moulins

Le plateau des Glières

Thierry Leclère

BLAST

écran(s) - version 3

Début d'une série : visages aux mille inconnus

Un platane de mes amis

écran total 2

Ecran total 1

L'orchestre du rêve [1]

Pochette CD Nyama

Le chêne noir le l'Abbaye de la Blanche à Noirmoutier

Autoportrait dans le train

Préparation d'une lithographie 4 couleurs

Le dernier Neil Young

Réalisations de vidéogrammes

Le chant des pistes